Categoría: Lo que tienes que saber

¿Todo mundo habla de lo maravillosa que es The Shape of Water y a ti no te gustó? ¿No entiendes por qué esa película en la que te pasas 20 minutos viendo la hierba crecer es una obra de arte? Aquí te iré dando claves para que sepas por qué una película es valiosa a pesar de que puedas conectar con ella o no.

El MoMA de NY se reinventa con el cine como hilo conductor

Columna publicada en El Universal

El séptimo arte ahora une a todos los artistas del recinto que abrió su renovada ala oeste esta semana; el objetivo es crear un diálogo más cercano con los visitantes

Tras cinco años de obras y planeación, el “nuevo” MoMA por fin abrió las puertas de su ala oeste al público esta semana con una renovación revolucionaria, en donde el prestigioso museo de arte moderno le da un espaldarazo al cine convirtiéndolo en uno de los grandes protagonistas del recinto y en el hilo conductor de sus instalaciones y salas.

Incluir el archivo fílmico en todas las exhibiciones fue una discusión larga y con mucha reflexión, pues a los curadores y directores del MoMA les llevó más de 10 años tomar la decisión y hacerla posible, aseguró a EL UNIVERSAL Sophie Cavoulacos, asistente en la curaduría fílmica de la institución, en la que a partir de ahora todas las instalaciones tienen una pantalla que proyecta una obra elegida por el Departamento de Cine que cuenta con un archivo de más de 2 millones de fotogramas.

Con este proyecto, el famoso museo neoyorquino apuesta por un diálogo más humano y cercano con el espectador.

Al recorrer los espacios del MoMA renovado, que abrió el pasado lunes 21 de octubre, se pueden apreciar fragmentos de filmes que los curadores consideran precursores de las redes sociales y que muestran diferentes escenas, desde la vida cotidiana hasta películas como la cinta muda de 35 milímetros transferida a video Anemic Cinema (1926), de Marcel Duchamp, o las realizadas por Andy Warhol.

“Las películas de Warhol como Blow Job (1964), Kiss (1964) y Sleep (1963) sin lugar a dudas son el verdadero tesoro que el MoMA posee de este artista”, apuntó Rajendra Roy, curador del proyecto y quien agregó que la revitalización del museo responde “a una nueva era en donde no tenemos que golpear a la gente en la cabeza para que entienda que toda la colección que se ve en las salas está relacionada y se comunica de forma interdisciplinaria”

OBJETIVO DEL SÉPTIMO ARTE

Es precisamente a través del séptimo arte con el que el MoMA ha buscado acercar a las personas a un diálogo más vivo y humano con el espectador. Un oportuno golpe en la mesa con el que esta prestigiosa Institución le dice al mundo que apuesta por el futuro del cine tan cuestionado hoy en día.

“Somos optimistas y creemos que la gente no dejará de ir a las salas y de encontrar el valor que hay en esta forma de arte que es más importante que nunca en una sociedad que se ha vuelto tan visual y que está en continuo movimiento”, remarcó Sophie, quien también explicó que los filmes proyectados en el centenar de pantallas instaladas a lo largo de todas las exhibiciones irán rotando y cambiarán cada seis meses.

Todos ellos estarán siempre en comunicación y harán referencia, de alguna forma, a las obras de la sala y lo que se busca con esto es darle al espectador la oportunidad de experimentar las creaciones desde diversas perspectivas y a través de distintos estímulos.

Cabe destacar que el MoMA cuenta con un interesante archivo de cine mexicano que también buscará ser incluido en las instalaciones y curaduría de las exhibiciones en algún momento, aseguró Cavoulacos.

MÁS ESPACIO EN LAS GALERÍAS

La renovación y expansión del Museo fue diseñada por Diller Scofidio + Renfro (también responsables de la remodelación del Lincoln Center de Manhattan y del High Line —el parque elevado creado en las antiguas vías del tren al oeste del downtown—) en colaboración con Gensler. Considerando que el museo está en pleno corazón de la ciudad de los rascacielos, el esfuerzo que se ha hecho para ganar más espacio es encomiable, pues la superficie para las galerías se ha incrementado 30% permitiéndole al museo exhibir más arte en nuevas e interdisciplinarias formas, pero conservando su acervo histórico y sus obras más famosas.

Es decir, que La noche estrellada (Van Gogh), Las señoritas de Avignon (Picasso), El baile (Henri Matisse), La persistencia de la memoria (Dalí), One (Jackson Pollock), Interior holandés (Miró), La lata de sopa Campbell (Warhol) o Los amantes (Magritte), por mencionar sólo a algunas de las obras maestras, siguen ahí pero en salas distintas y creando nuevos diálogos con las creaciones vecinas.

A LA CONQUISTA DE NUEVAS GENERACIONES

El nuevo diseño también logró optimizar los espacios para hacerlos más flexibles y poder contar con una tecnología más sofisticada. Se puede decir que es un MoMA más abierto, más luminoso, recreativo y pensado para poder conquistar a las nuevas generaciones acostumbradas a la simultaneidad de temas.

Una de las propuestas más interesantes es el laboratorio creativo (Creativity Lab), un espacio diseñado para invitar a los visitantes a conectar con el arte y explorar nuevas ideas a partir de la experiencia de la propia creación. En él se pueden hacer diversas manualidades, como tejer, escribir, leer o simplemente observar el bullicio de las calles neoyorquinas desde sus enormes ventanales.

Marie-Josée and Henry Kravis Studio es otro nuevo espacio dedicado a los performances en medio de la colección permanente, con un programa que cambiará cada mes; son 2 mil pies cuadrados que convierten a este lugar en el primero dedicado a estas actividades y completamente integrado en un museo desde su galería central.

En este espacio del museo, la danza, la música y los trabajos sonoros conectarán con las historias de arte moderno y contemporáneo de las galerías a su alrededor. La primera obra representada es Rainforest V, de David Tudor, que es una escultura sónica.

OBRAS COMISIONADAS Y UNA NUEVA ADQUISICIÓN

Entre las novedades que los visitantes podrán encontrar están las obras comisionadas a artistas como Kerstin Brätsch (Alemania, 1979), Goshka Macuga (Polonia, 1967), Yoko Ono (Japón, 1933), Philippe Parreno (Francia, 1964) y el diseño colectivo de Experimental Jetset. También se exhibe el trabajo a gran escala de Haim Steinbach, Hello again (2013), que el museo adquirió para esta reapertura y que se instaló en el lobby principal como parte de la idea de incorporar el arte contemporáneo a los espacios públicos.

Desde su fundación en 1929 como una institución educativa, el MoMA se ha enfocado en ser el museo puntero de arte moderno del mundo y es por ello que las renovaciones han sido algo constante e imprescindible desde su creación.

Philip Johnson, Yoshio Taniguchi, Jean Nouvel son arquitectos que han dejado huella en el edificio que antes era un palacio donde nació David Rockefeller, el hijo de Abby Aldrich Rockefeller, cofundadora del museo. Y desde que abrió sus puertas en 1939, en el 11 West de la calle 53, el museo no ha cambiado su dirección y se ha convertido en centro neurálgico de la ciudad con la que dialoga y se retroalimenta.

EL ENORME ACERVO

La colección del Museo de Arte Moderno de Nueva York se ha convertido en una de las más importantes del mundo. Actualmente cuenta con aproximadamente 200 mil pinturas, esculturas, dibujos, impresiones, fotografías, modelos arquitectónicos, objetos de diseño, filmes, etc.

Se dice que es imposible saber cuántas de las obras que posee aún no han sido expuestas. La librería y los archivos del museo contienen la mayor concentración de material de investigación de arte moderno en el mundo y cada departamento de curadores mantiene abierto un centro de estudios disponible para los estudiantes e investigadores.

 

I ❤ Frida

Frida Kahlo llega a Nueva York para demostrarle al mundo que el arte no tiene muros.

La exposición ha sido curada por la mexicana Circe Henestrosa y el equipo del Museo de Brooklyn cuya directora asegura que querían hacer el show lo antes posible porque NY necesita contar historias positivas de México y sus inmigrantes.

Alejandra Musi
*ARTICULO PUBLICADO EN LA PORTADA DE CULTURA DE EL UNIVERSAL EL 6 DE MARZO DEL 2019.
 

Es imposible no valorar el impacto que tiene el momento en el que la exposición más grande de los últimos diez años de Frida Kahlo llega a Nueva York. Y es que si ha habido un icono de la fuerza femenina en México ha sido el de la artista que desde su estancia en los años 30’s en Estados Unidos mostró su mexicaneidad con orgullo. Para Anne Pasternack, directora del Museo de Brooklyn, la exhibición llamada Las apariencias engañan (Appearances Can Be Deceiving) que estará desde el 8 de febrero hasta el 12 de mayo en este emblemático recinto y que muestra el guardarropa, los accesorios y joyas más emblemáticos de la artista así como los corsets y elementos ortopédicos pintados a mano por ella entre otras importantes obras y fotografías provenientes de la Colección de Jacques y Natasha Gelman, “es una muestra de que el arte no tiene muros y que uno de los grandes valores de USA es la libertad y que Nueva York ha sido un lugar que siempre le ha dado la bienvenida a los inmigrantes. Quisimos hacer esta exhibición lo más rápido posible porque sabíamos que necesitamos contar historias positivas acerca de Mexico, de lo maravilloso que es y lo grande del ADN de este país”, contó a la admiradora de Frida porque “era una mujer que no ocultaba nada, ponía todo lo que sentía en su arte. Además, el Museo de Brooklyn es como Frida porque somos una institución curiosa que no tiene miedo a tocar los temas difíciles como los que se abordan en esta exposición pues en ella también hay una visión de la política y de la discapacidad”, explicó.

Expo de Frida Kahlo en NY.

Todo surgió con la investigación que Circe Henestrosa comenzó a hacer a raíz del descubrimiento del guardarropa de Frida Kahlo en el 2004. Circe fue la curadora de la primera exposición de Frida con esta temática en La Casa Azul – Museo Frida Kahlo en el 2012 y que después fue llevada a Londres al Victoria & Albert Museum en el 2018 para finalmente desembarcar en Nueva York este 2019 con varias novedades que la harán muy especial: contará con obras de otros museos que no se habían prestado antes como Ahora que estoy pelona propiedad del MoMA, la colección de arte mesoamericano del Museo de Brooklyn se incorporó de forma especial a la exhibición para acentuar los intereses que tenían Frida Kahlo y Diego Rivera por este tipo de arte del cual eran coleccionistas y además estará presente la relación que Frida tuvo con Estados Unidos con su complejidad y conflictos porque aunque Kahlo amaba Nueva York era comunista y estaba muy en contra del estilo frívolo de la clase acomodada de la ciudad. Detroit fue una ciudad que le horrorizó por su fundamento industrial y San Francisco le causaba la misma fascinación y rechazo que NY. Todo lo que despertó en Frida esta relación con USA fue algo que los curadores tomaron en cuenta para enriquecer y darle un marco diferente a la exhibición. Para Catherine Morris, curadora para el Centro de Arte Feminista Elizabeth A. Sackler del Brooklyn Museum, “explorar la compleja y a menudo conflictiva relación de Frida con Estados Unidos es una parte muy importante de su historia. Sus experiencias en San Francisco, Nueva York y Detroit jugaron un papel clave en el desarrollo de su arte, sus visión política y fueron instrumentales al momento de elegir el enfoque de sus decisiones”.

La imagen de Frida Kahlo en New York.

Para Circe Henestrosa, “este es un momento importante entre México y Estados Unidos y por eso es que yo quería traer esta exposición aquí pues es traer a México con mucho orgullo adaptando el guión curatorial de las exposiciones pasadas para enriquecerla con el equipo de curadores locales del Museo de Brooklyn y que sigue la historia de cómo Frida construyó su identidad a través de elementos de discapacidad y etnicidad. Y es que Frida eligió el vestido de tehuana como su logotipo y cuando se descubrió el guardarropa en el 2004 también aparecieron todos sus aparatos ortopédicos y un dibujo muy especial que se llama “Las apariencias engañan” que es muy importante porque en él Frida se muestra a ella misma desnuda con la pierna derecha más delgada que la izquierda, portando un corset y con un vestido de tehuana en la silueta y lo que nos explica es cómo el vestido de tehuana le ayudaba a llevar bajo todas esas capas de ropa su enfermedad y su discapacidad porque debajo de todos esos huipiles y telas estaba su cuerpo herido”, explicó la curadora para quién esta investigación fue algo muy especial pues su familia paterna viene de la zona de Tehuantepec y su tía abuela, Alfa Henestrosa, le hacía los vestidos de tehuana a la artista, “yo misma soy una portadora del vestido de tehuana y quería saber por qué Frida lo escogió como su logotipo y descubrí que cuando decidió vestirse así estaban cambiando muchas cosas en su vida: era la época en que José Vasconcelos empezó a promover todos los valores y la cultura mexicana a través de la idea de mexicanidad en el tiempo que se conoce como el Renacimiento mexicano. Es cuando él comisionó a muralistas como Adolfo Siqueiros, José Clemente Orozco y Diego Rivera a pintar  estos temas porque él pensaba que el país iba a salir del trauma de la Revolución con la educación y la promoción de la cultura. Entonces Frida Kahlo se alineó a estos valores y empezó a buscar una identidad que la hiciera ver muy mexicana”, apuntó la experta para quién la estancia de Frida en Estados Unidos también fue clave, “ella se casó con Diego Rivera en 1929 y de 1930 a 1933 vivieron en Estados Unidos y ahí es cuando ella adquiere el look por completo porque es donde Frida siente que quiere proyectar aún más los valores mexicanos. Cuando ella elige este vestido no lo hace por casualidad: es un vestido que viene del Istmo de Tehuantepec que es una sociedad matriarcal con lo cual ella elige un vestido que simboliza a una mujer fuerte y poderosa y que también le ayuda a lidiar con su cuerpo porque todos los accesorios del vestido concentraban la atención del observador del torso hacia arriba distrayéndote de sus piernas. Cuando adquiere este look es el comienzo de Kahlo como gran artista, pero también del deterioro de su cuerpo. Y es un atuendo que le ayuda a mostrar sus convicciones políticas y a decirle al mundo que ella era comunista y mexicana”.

Según explicó Lisa Small, Curadora de Arte Europeo del Museo de Brooklyn, “esta exposición es muy importante porque es la primera que se hace en Estados Unidos que incluirá algunas de las ropas y posesiones personales provenientes de la Casa Azul en México mostradas en contexto con sus obras de arte más celebradas”. Para Morris, “el arte y la historia de Frida Kahlo resuena a través de las fronteras geográficas e históricas”.

¿Por qué ésta es la exhibición de Frida más grande de la década? Aquí los datos:

La exhibición se organiza temáticamente en 10 secciones:

Roots (30 objetos) Gringolandia (11 objetos) Marriage (12 objetos) Art and Revolution (6 objetos) Picturing Mexico (26 objetos) The Blue House (84 objetos) Disability and Creativity (50 objetos) Fashioning Gender (5 objetos) New York Exhibition (9 objetos) Art & Dress (102 objetos).

Habrán más de 300 objetos en total:

Pinturas (11 de Frida Kahlo), Ropa (22 atuendos), Fotografías (+150), Artefactos personales (50+ objetos) Trabajos en papel (15 de Frida Kahlo)

Objetos añadidos por el Museo de Brooklyn:

  •  3 pinturas adicionales de Kahlo, incluyendo la obra del MoMA, el Autorretrato ahora que estoy pelona (Self-Portrait with Cropped Hair, 1940); el Retrato de Diego Rivera, de The Jacques and Natasha Gelman Collection of 20th Century Mexican Art y The Vergel Foundation y Frutos de la Tierra, de Citibanamex.
  • Para la sección del tiempo de Kahlo en Nueva York se incluyen materiales de archivo de su primera exhibición en solitario en 1938 en la Galería Julien Levy de NY.   
  •  Más de 40 fotografías de los archivos Throckmorton Fine Art, Mary-Anne Martin Fine Art y the Nickolas Muray Archive.
  •  Approx. 45 objetos de la colección del Museo de Brooklyn realizados para la colección Arts of the Americas.

Lo que tienes que saber de ROMA de cara a las nominaciones al Oscar

Aquí te voy a contar lo que nadie te ha explicado respecto a la forma en la que ROMA podría ser nominada para la ceremonia 2019


Alfonso Cuarón ya tiene sus dos Globos de oro por mejor dirección y Mejor película extranjera con ROMA pero algo que mucho se preguntan son dos cosas ¿Por qué en los Globos de Oro no pudo estar nominado como Mejor película y se dice que en los Oscar sí podría estar? La respuesta es muy sencilla y es que mientras que en los Globos de Oro no se puede nominar a mejor película ninguna cinta de habla no inglesa en los Oscar NO aplica esa regla. En ese sentido, este año ROMA podría estar nominada a Mejor película. 

Ok, ya sé, la siguiente pregunta que se estarán haciendo es, ¿y alguna película de habla no inglesa ha ganado antes el gran premio? Pues ahí es donde está el debate pues recordarán la bellísima cinta The Artist, del parisino Michel Hazavanicious que aunque es una producción francesa es una película muda así que los puristas se inclinan a decir que no cuenta porque además, toda la acción de la cinta está situada en Hollywood y de hablar algo hubieran dicho algo más parecido a Hey! que a Salut!

En este sentido podemos afirmar que SI, en los 90 años de historia que tienen los Oscar, este año 91 podría ser histórico al premiarse por primera vez una cinta que no está en inglés. 

Sólo 10 filmes de habla no inglesa han sido nominados a Mejor película y los más famosos son: 

El tigre y el dragón (Ang Lee, 2000)

Cartas desde Iwo Jima (2007, Clint Eastwood)

Babel (2007)

Amor (2013)

Ahora sí, ya estás listo para afrontar cualquier debate de #Roma previo a las nominaciones a los Oscar.  

MUSEO

El robo de 140 reliquias del Museo Nacional de Antropología de Ciudad de México en las navidades de 1985, es la historia de la que se origina “Museo”, la segunda película de Alonso Ruizpalacios, con un estreno singular, en México, con más de mil  salas, debutó con una taquilla de entre $8 y $12 millones de pesos, y esto significó una buena acogida para la película.

“Museo” se estrenó en La Berlinale, hace casi un año, en este festival tuvimos la oportunidad de hablar con todo el elenco y en Un Mundo de Cine les quiero compartir estas deliciosas entrevistas, para los que aún no la han visto, estoy segura de que les dará un montón de motivos más para acudir rápido a las salas donde aún está exhibiéndose.
 
Aquí el director: Alonso Ruizpalacios
 

La habilidad camaleónica de transformarse en alguien más es algo que Ilse Salas explora de este nuevo viaje de Alonso Ruizpalacios, su pareja, y esto nos contó.

Children of Men

La película con la que Cuarón predijo el futuro

Hace 12 años Alfonso Cuarón dirigió la cinta Children of Men. Se estrenó en el Festival de Venecia y al salir del cine los periodistas comentábamos el horror que sería vivir un mundo así: con inmigrantes enjaulados, ataques terroristas en cualquier parte y sociedades de primer mundo deshumanizadas y egoístas. 

La película se sitúa en el 2027 y es protagonizada por Clive Owen, Julianne Moore y Michael Caine. Una de mis favoritas de Cuarón porque es la primer cinta en la que comenzamos a ver su interés por un cine social.

Está basada en el libro de Naomi Klein, The Shock Doctrine, de la cual Cuarón nos habló mucho en ese entonces en Venecia (era un tema que lo obsesionaba) y que por tristeza parece estar más actual que nunca.

Un filme que no te puedes perder si quieres entender por qué estamos viviendo una época de muros, de violencia y precariedad. Pero en el que no se puede dejar de lado la esperanza.

Y es que todos estos días viendo la crisis en la frontera mexicana en donde los niños son separados de sus padres o las pateras repletas de gente que logran cruzar el Mediterráneo pero que no quieren ser recibidas en la “tierra prometida” no he dejado de pensar en “Children of Men”.

Un filme que se adelantó a su época y que si lo ves con detenimiento, tiene muchas de las respuestas de lo que estamos viviendo ahora.