Categoría: Cine

Acompáñame a ser testigo de las principales noticias, anécdotas y reflexiones de los festivales más importantes de cine del mundo, entre otros eventos.

Norton da su visión sobre el Tourette

Información publicada en El Universal.

Motherless Brooklyn, su segundo filme como director que también protagoniza, cierra el Festival de cine de Nueva York

Nueva York.— Mañana finaliza el Festival de cine de NY y lo hace con las proyecciones de la cinta escrita, producida y dirigida por Edward Norton, Motherless Brooklyn, filme basado en la novela homónima de Jonathan Lethem que se sitúa en los años 50 y sigue los pasos de Lionel Essrog, un detective con Síndrome de Tourette que busca hacer justicia a la muerte de su amigo y mentor.

En la rueda de prensa tras mostrar al mundo por primera vez su segundo filme como director, Norton, acompañado por Willem Dafoe y la actriz Gugu Mbatha-Raw, habló de lo liberador que fue conocer al escritor de la novela antes de filmar.

“Algo que me ayudó mucho fue que Jonathan me dijo que no creía en las adaptaciones fieles a los libros porque nunca podrían ser iguales así que me dio su bendición: ‘hazla y agrégale tu toque personal, ponle lo tuyo’. A partir de ahí se me quitó un gran peso de encima y pude lanzarme a crear el filme como yo creía que tenía que ser”, aseguró.

Norton es uno de los muchos actores a los que de vez en cuando les gusta dirigir, apuntó que la tarea como director se complica cuando además de la visión global del proyecto tienes que dirigirte.

“Por un lado ayuda que tienes muy claro lo que quieres hacer con el personaje pero por otro está la preocupación de cuidar el espacio de los demás actores, sin embargo, la clave para mí y que me quitó mucha presión fue que elegí al mejor elenco posible”, dijo el realizador, al que también le pareció fascinante explorar lo que sucedía en Nueva York en los años 50.

“Y que puede relacionarse mucho con lo que sucede ahora”, agregó el director, para el que elegir a Alec Baldwin para interpretar a un constructor corrupto y cuya actuación hace muchos guiños a las imitaciones de Trump que han hecho famoso a Baldwin en los últimos años.

La importancia de cómo retratar una condición como la del Síndrome de Tourett que tiene su personaje fue algo que también apasionó a Edward.

“Para mí lo más importante era evitar el mayor error al convertir a las personas que las tienen en santos. Algo maravilloso de Daniel Day Lewis en Mi pie izquierdo es que su personaje tiene momentos en los que muestra que también puede estar lleno de ira y ser un cabrón. Es una persona integral, no alguien reducido a su enfermedad. Y eso es lo que yo quería lograr con Lionel”.

Tras 50 años, Pacino y Scorsese se juntan

Información publicada en El Universal

Nueva York.— En el Alice Tulley Hall, del Lincoln Center neoyorquino se encontraron cuatro leyendas: Al Pacino, Joe Pesci, Robert De Niro y Martin Scorsese.

“Ahora me alegro de que haya pasado tanto tiempo porque en estos años la tecnología avanzó y nos permitió lograr cosas que antes eran imposibles como lo que hicimos con el proceso de la edad”.

“Hasta ahora me doy cuenta de que era por eso. Yo veía en la pantalla a todos y decía, ‘vaya que se ven bien’, pero claro, ahora sé por qué…”, dijo entre risas el actor.

“Yo conocí a Pacino en 1970 y desde entonces intentamos hacer algo, quisimos hacer Modigliani y por diversas razones no se pudo hasta que hace más de seis años nos volvimos a encontrar y le propuse el proyecto y recuerdo que lo primero que me dijo fue ‘¿pero eso realmente va a suceder?’ Por fortuna así fue”, recordó el director neoyorquino.

Scorsese contó que Pacino se paseaba por todo el set escuchando grabaciones con la voz de Hoffa.

“Pero lo había y lo leíste Al”, replicó Scorsese. “Bueno, sí, como una página”, respondió Pacino entre las risas de todo el auditorio. “No, no, lo leíste todo, al menos una vez, ahí estaba todo”, insistió el director provocando un cómico momento.

“Se puede ver el sentimiento de Jimmy Hoffa como alguien que está por encima de la ley. Y no, ¡nadie está por encima de la ley!”, dijo provocando aplausos. “También habla del poder, de cómo esta es la fuerza más fuerte que hay y no el dinero. El poder lo borra todo y harás todo por conservarlo”, apuntó el director.

Politician, un microcosmos de lo que ocurre en mi país: Lange

Columna publicada en El Universal

Nueva York.— Con un glamoroso vestido de seda verde de Donna Karan llegó al Hotel Crosby Street del SoHo neoyorquino Jessica Lange, que protagoniza junto a Ben Platt (Payton Hobart), Lucy Boynton (Astrid) y Gwyneth Paltrow (Georgina Hobart) la nueva serie de Ryan Murphy para Netflix, The Politician.

Una historia que, según la propia Lange contó: “Es un microcosmos de lo que ocurre hoy en mi país, con la política de género, todos esos juegos sucios de poder y la ambición desmedida, entre muchas otras cosas que se pueden ver en ella”, dijo la actriz que en esta serie se pone en la piel de Dusty Jackson y que se ha convertido en musa de Murphy.

El personaje de Lange ha despertado gran interés, pues es una villana en la máxima extensión de la palabra “es aterradora, un monstruo. Sin embargo es una comedia y eso lo suaviza todo. Es una mujer ignorante y las cosas que le importan y motivan en su vida son muy irrelevantes: cenas gratis, viajes a parques de atracciones… Es un personaje despreciable si piensas en lo que es capaz de hacer por nada. Sin embargo, para crearla tuve que indagar en algo más profundo para intentar explicar cómo llegó a este punto”, contó la actriz.

En la rueda de prensa no faltó la referencia hacia cómo Jessica Lange debido al carisma de personajes recientes en series como Feud se ha convertido en un icono gay.

Read More
0

Joker ríe en Venecia

Información publicada en El Universal

Venecia.— Joker es un filme valiente que narra la génesis de un villano de forma magistral y que va más allá de las tradicionales cintas de superhéroes, consideró el jurado que le otorgó el León de Oro en el Festival de Venecia.

Lucrecia Martel, presidenta del jurado, apuntó la importancia de este filme en los momentos que se viven en la industria y en la política.

Por su parte, el cinefotógrafo mexicano Rodrigo Prieto dijo que se sintió profundamente emocionado por su trabajo en la cinta.

El segundo premio en importancia es el Gran Premio del Jurado, León de Plata, que fue para la cinta J’accuse (El ocial y el espía), de Roman Polanski.

Al anunciar el premio a Polanski, Martel señaló: “El autor es un ser humano como todos los directores de todas las películas. La peor cosa que podríamos hacer con un ser humano es separarlo de su obra porque entonces habría que ir a castigar a mucha gente. El señor Polanski representa un caso entre 300 y lamentablemente muchos de ellos estaban hoy sentados en la Gran Sala”, dijo en alusión al escándalo que desde hace dos años pesa sobre la industria del cine por casos de abuso y acoso contra actrices.

La Coppa Volpi a Mejor actriz para Ariane Ascaride por Gloria mundi fue una sorpresa, pues en todas las quinielas estaban por Scarlett Johansson o Catherine Deneuve.

El filme cuenta la historia de una familia en la que se puede ver la diferencia de dos generaciones, la de los abuelos generosos y la de los hijos materialistas y amorales.

El Premio a Guión fue para No.7. Cherry Lane del director chino Yonfan, cinta de animación que transcurre en el Hong Kong de la década de los 60, marcada por disturbios como los de 1967.

Es un documental satírico sobre la mafia italiana que muestra un acercamiento diferente hacia el tema.

Read More
0

Rodrigo Prieto, lo que “Amores Perros” le dejó

Entrevista publicada en El Universal

Venecia.— Siempre está observando los detalles, la luz, las atmósferas que hacen especial un lugar para archivar estas imágenes en su memoria y después quizá plasmarlas en alguna obra.

“Ha sido una gran oportunidad y un ejercicio en muchos sentidos porque el arte es emoción y sentimiento y a veces es difícil traducir eso a palabras”.

“Estas dos décadas han sido un viaje maravilloso, el éxito de “Amores perros” fue algo inesperado, yo sentía que era una película especial y la disfruté mucho y desde que filmé publicidad con Alejandro González Iñárritu hicimos una amistad muy bonita y sabía que su primer filme iba a ser bueno pero no me esperaba un guión como ese, así que cuando lo leí fue una gran sorpresa y bueno, el resto es historia”, recuerda.

“Ha sido muy especial verlo en los filmes pero también lo he visto en persona aquí porque Gael y yo seguimos en contacto, a lo largo de estos años nos hemos reunido bastante. También vi a Guillermo Arriaga y me dio mucho gusto”.

“Creo que en ambos casos es la pasión. Alejandro obviamente tiene un talento gigantesco pero es un apasionado de las historias y de cómo contarlas entonces el diseño cinematográfico es muy particular.

Con El irlandés. Prieto está trabajando intensamente con Martin Scorsese; recientemente hizo la fotografía de The Irishman, protagonizada por Robert De Niro, Al Pacino y Joe Pesci y justo está terminando la corrección de color.

“Se llama Killers of the flower moon y está basado en el libro homónimo sobre la comunidad de nativos americanos Osage y es una historia interesantísima porque es el momento de gestación del FBI porque uno de sus primeros casos tuvo que ver con este grupo”.

Gael García: Hombres vulnerables son más atractivos

Entrevista publicada en El Universal

El actor, quien presenta dos cintas en Venecia, dice que la discusión entre sexos no debe existir en la actualidad

Venecia.— Ya había desfilado dos veces por la alfombra roja del Festival Internacional de Cine de Venecia, había dado dos ruedas de prensa internacionales, múltiples entrevistas y photocalls en la demandada agenda de la muestra en el que el actor mexicano participa con dos cintas muy diferentes: la del director chileno Pablo Larraín, Ema, y la cinta de espías cubanos Wasp network, del cineasta francés Olivier Assayas en la que da vida a uno de los espías, cuando EL UNIVERSAL se encontró con Gael en el Hotel Excélsior para confirmar que en las distancias cortas luce igual que bajo los reflectores: lleno de energía, con una agenda que explota y en el mejor momento de su carrera.

“No hay nada más machista que ser un caballero”.

Para Gael, hay algo evidente que se puede ver en la película de Larraín en la que interpreta a un bailarín de danza moderna que sufre con su pareja Ema (Mariana Di Girolamo) el trauma de haber devuelto a un niño tras una adopción fallida. Y es la forma de pensar de la nueva generación que ha roto tabúes.

“Seguimos hablando del machismo, el patriarcado, las diferentes percepciones del feminismo pero nos urge encontrar nuevos lenguajes para incorporar también las cosas recientes y llevarlas hacia una discusión más interesante, estamos en una crisis de masculinidad”.

Y pone de ejemplo a una escritora colombiana que dice que cuando todos opinan que el reggaetón es completamente macho, antifeminista e irrespetuoso, están equivocados.

“A mí tampoco me gusta el reggaetón, me divierte pero no es el tipo de música que escucho, porque lo que no les gusta en realidad es que el reggaetón no es caballeroso y no hay nada más machista que ser un caballero”, señala Gael.

En ese sentido, agrega, esa música es una reivindicación.

“Pone a todos en el mismo nivel aunque de una forma extraña. Obviamente estamos hablando del más alto nivel de reggaetón”.

Según Bernal, es imposible definir al hombre contemporáneo, lo cual es maravilloso.

“Decir: ‘estas son las claves para ser el hombre perfecto’ sería el mayor error machista. Ha habido excepciones pero si hacemos un poco de memoria y vamos hacia el siglo XIX y principios del XX es fácil ver cómo había cierta fascinación por la perfección. Por decir, ‘él nunca ha dicho una mentira, él siempre lo ha hecho todo bien’. Venimos de ese punto en el que se suponía que los hombres eran perfectos, lo cual es una falacia; lo que ahora percibimos y amamos es que no lo somos. Los hombres vulnerables son los más atractivos”.

Definir al hombre en palabras, sostiene, es caer en una trampa pero hacerlo con acciones es más fácil.

“Por ejemplo, yo ahora voy al mercado y veo a muchos papás cargando a sus bebés, eso es algo que antes no pasaba y que trae nuevas discusiones, especialmente la de la femineidad porque ahora nosotros también tenemos el derecho de cargar a nuestros bebés y estar con ellos, entre muchas otras cosas”.

Siempre soltero. Gael dice que nunca ha pensado en la idea de tener un matrimonio para toda la vida y que es momento de deshacernos de la idea de que la familia nuclear es la única que funciona.

“Está claro que este tipo de familia no va a salvar el mundo ni lo ha hecho antes. Fue un invento de la era medieval para organizar las herencias y saber quién iba a continuar con el legado, etc. Al final del día, es una decisión personal”, indica.

Chris Hemsworth recordó a Will Smith para nueva versión de “Hombres de Negro”

La nueva saga de la franquicia estuvo inspirada en las primeras películas de James Bond de la que su productor es fan

La nueva saga de “Men in Black” tuvo su premiere mundial en Nueva York a la que asistieron los protagonistas del filme Tessa Thompson, Chris Hemsworth, Kumail Nanjiani, Rafe Spall, Laurent Borgeois, Larry Borgeois, Marcy Harriell, Inny Clemons y los productores Laurie McDonald y Walter F. Parkes, entre otras estrellas que no se perdieron la esperada cita en el Lincoln Theater del Upper West Side en donde la llegada de las celebrites causó verdadero revuelo. Días antes ya se podían ver por Manhattan autobuses y espectaculares con la publicidad de uno de los filmes de acción más esperados del verano.

La franquicia continúa con el legado de las cintas anteriores pero tiene un toque diferente, empezando porque entre sus protagonistas ya no está Will Smith del que Hemsworth dijo a El Universal: “Amé las otras dos películas de Men in Black, soy fan de ellas. Y la verdad es que no hablé con Will de esta historia pero lo que sí hicimos Tessa y yo fue ver las películas anteriores otra vez y recordamos cómo nos volaron la cabeza cuando éramos jóvenes y cómo Will las interpretó de manera magistral y logró darle un gran carisma a su personaje”.

La primera vez que Chris leyó el guión le encantó el hecho de que este rodaje lo llevaría a viajar por todo el mundo, “para mí una de las cosas más emocionantes de hacer películas es que te dan la posibilidad de vivir muchas situaciones diferentes, de descubrir lugares. Filmar esta película fue una aventura increíble dentro y fuera del set”, aseguró.

El actor que también ha hecho películas de Marvel, armó que al hacer esta saga se sintió muy cómodo.

Para la estrella, lo más sorprendente del éxito ha sido tener el reconocimiento de personas de las que había sido fan durante toda su vida, “es algo surreal que todavía no me creo en muchas ocasiones”, reflexionó el actor al que desde pequeño le encantaba ver este tipo de historias, “llenas de aventuras, de acción y de una emoción que me transportaba hacia ese universo y me hacía parte de ese viaje. Eso es lo que más sigo disfrutando al hacer y ver cine”, explicó. 

Para Walter F. Parkes, productor del filme, esta película está inspirada en su pasión por las primeras cintas de James Bond, “solía salir del cine jugando a que yo era el agente 007, amaba la idea de que podías ir de Londres a Estambul pasando por Rusia en minutos. Era fascinante. Con suerte hemos logrado traer esa emoción del mundo real a una franquicia de ciencia ficción. Esa es la diferencia clave en esta película”, dijo.

Según Laurie McDonald, hubo dos cosas fundamentales que la hicieron interesarse por esta historia, “una es que se trata de una trama en la que las personas se dedican a hacer cosas que por lo general hacen los superhéroes como estar salvando al mundo constantemente. También el tono me encantó porque el cómic original era más oscuro pero el guión tenía un acercamiento más fresco que nos pareció muy interesante.

“Men in Black” se estrena este viernes en las salas de México.

Alain Delon: los recuerdos que aún lo conmueven y… atormentan

*Texto publicado en El Universal. Cobertura Festival de Cannes 2019.

El actor que llegó al cine por el amor que las mujeres le profesaban, según contó, dijo que iba a recibir la Palma de Oro de honor en memoria a los directores que le dieron la gloria. 

Alejandra Musi 

Cannes, 19 de mayo de 2019. Alain Delon no temió ocultar las lágrimas que le provocaban tantos recuerdos al hablar del pasado y sus inicios en el cine, “aunque no vine aquí a llorar”, dijo el actor pocos minutos después de empezar el encuentro con el público en la sección Cannes Classics en donde la leyenda habló de cómo comenzó su carrera, “el primer año que vine a Cannes fue en 1956 y no me conocía nadie.

Llegué después de haber sido soldado durante tres años y cuando una chica que me amaba y yo a ella me dijo que me iba a traer al Festival y así fue como todo sucedió.

Al estar aquí todo el mundo me preguntaba quién era yo, qué hacía, de dónde venía y qué hacía porque aparentemente era muy feo en ese entonces”, bromeó haciendo referencia a cómo fue descubierto por casualidad debido al atractivo que despertaba su apariencia.

“Lo cierto es que mi carrera la hicieron las mujeres que me amaban porque ellas eran las que querían que yo hiciera este trabajo. Lo que fue impresionante es que la actuación vino de forma natural hacía mí porque primero me rehusé a hacer mi primer filme, Quand la femme s’en mele pero después el director, Yves Allégret me convenció y tras rodar unas escenas un día me llevó al camerino y me dijo algo que nunca olvidé: “Alain tú ya conoces a tu personaje, no tienes que actuar, sólo mira de la forma en que tú miras, haz las cosas de la forma en que tú las haces, sé tú mismo””. 

Nunca había actuado y es algo que se me quedó por siempre”, recordó el actor que esta noche recibió la Palma de Oro de honor del Festival y que dijo que había sido un premio que le había costado mucho aceptar, “porque pensaba que esa Palma debería de haber sido para los directores que hicieron mis películas, ellos son los verdaderos directores de la orquesta pero Thierry (Fremáux, director del Festival de Cannes) me convenció cuando me dijo, “pero ellos ya no están Alain”, así que decidí aceptarla como un tributo a ellos, a su memoria”, aseguró la estrella a la que se le salieron las lágrimas al ver una escena que se proyectó de Gattopardo, “me he emocionado mucho porque esa escena es especial, es con un amigo que ya no está aquí”, dijo refiriéndose a Burt Lancaster.

El actor volvió a conmoverse al verse a sí mismo en otras películas de su juventud, “miren cómo era entonces y cómo soy ahora. Era 1957, muchos de ustedes ni siquiera habían nacido”, dijo con tristeza. Otro de los momentos que lo marcaron fue cuando los estudios de cine Melville del director Jean-Pierre Melville que vivía en ese mismo edificio se incendiaron y contó que desde la calle, tomado de la mano con Jean-Pierre, ambos vieron cómo todo se quemaba, “más de cincuenta años de filmes se esfumaron”. También habló por qué su paso por Estados Unidos fue breve, “estuve ahí durante dos años porque todos decían que tenía que probar suerte en Hollywood, hice tres películas pero luego volví a París, quería hacer cine francés y estar en Francia. Estados Unidos no es mi lugar, nunca me adapté”, afirmó la estrella que no tuvo reparos en contar que los directores de la nueva ola francesa no quisieron trabajar con él, “me borraron, para ellos no existía pero lo cierto es que tampoco los necesitaba”.

Delon nunca fue a una escuela de arte dramático pero logró convertir los sets en su elemento natural y la cámara lo adora desde entonces, “la cámara para mí es una mujer a la que veo a los ojos, a la que quiero y me quiere”, dijo el actor que saltó a la fama internacional con Purple Noon, de René Clément en 1960 y que desde entonces no ha dejado de trabajar con 107 filmes en su haber.

Fue por esa película que Visconti lo descubrió y lo buscó para trabajar con él. “Yo soy todo y nada. Soy lo que la gente me hizo”, afirmó el actor que remató la charla con una anécdota muy agridulce al contar cómo fue la muerte de Jean-Pierre Melville y que él presenció, “estábamos haciendo el cuarto filme juntos y llegó un periodista que lo admiraba mucho y con el que tenía relación a visitarlo así que fuimos a comer y el periodista le contó una broma a Jean Pierre que le hizo mucha gracia y con la que Melville empezó a reírse muy fuerte cuando de pronto le vino un ataque cardiaco y se murió. Se fue riendo, lo cual creo que es una forma maravillosa de morir”, recordó Delon entre aplausos y una Sala Buñuel en la que no cabía un alfiler y en la que el público se volcó para mostrarle su admiración y cariño a la estrella que ya es una leyenda del cine. 

Pedro Almodóvar: “Los besos que no se atrevió a dar”

*Texto publicado en El Universal. Cobertura Festival de Cannes 2019.

Después de presentar con éxito Dolor y Gloria en Cannes, el director español habló de los momentos que marcaron su vida en una rueda de prensa muy emotiva.

Alejandra Musi

Cannes, 18 de mayo de 2019. Pedro Almodóvar, Penélope Cruz, Antonio Banderas, Asier Etxeandía y Leonardo Sbaraglia aún estaban emocionados por la ovación de casi diez minutos que el público les había regalado la noche anterior en los créditos finales de Dolor y Gloria cuando llegaron a la rueda de prensa oficial de Cannes.

“Está lloviendo pero no he conocido una lluvia tan feliz como la de esta mañana. Realmente creo que no voy a poder olvidar la noche de anoche, como dice el bolero. La experiencia ha sido inenarrable y estamos muy contentos”, dijo el director que con  este filme compite por sexta ocasión por la Palma de Oro.

Mucho se ha hablado de que la cinta es autobiográfica a lo que Almodóvar apuntó, “no hay que tomar la película de un modo literal. Es decir, que también hay una gran parte de ficción aunque muchas de las cosas que ocurren podrían haberme sucedido. Cuando empecé a escribir lo hice recordando capítulos de mi vida pero luego debes darle cabida a la imaginación”, explicó el cineasta que admitió no haber tenido una infancia fácil.

“Mi madre nunca me dijo como en la película que no había sido un buen hijo pero esa escena es importante porque habla de la extrañeza con la que mi madre me miraba cuando era pequeño y no era precisamente con orgullo. Yo creo que me mueve tanto porque lo que represento es la extrañeza que yo descubría en la mirada de los demás sobre todo entre los compañeros del colegio en la época escolar. Y para un niño esa mirada que tiene mucho de repulsa, de crítica y de humillación es una experiencia muy dura, tan dura como que tu madre te mire como un ser extraño. Pero afortunadamente era un niño muy fuerte y esas miradas no pudieron conmigo”, aseguró el cineasta que dice que en este momento de su vida su principal adicción y dependencia es dormir ocho horas al día y saber que va a ser capaz de hacer una nueva película.

Para Antonio Banderas quién los últimos 20 años de su carrera los centró en Hollywood, su gran punto de unión con el cine español ha sido siempre Almodóvar. “a mí realmente lo que me une a la tradición cinematográfica española a pesar de haber trabajado con diferentes directores españoles es Pedro y eso lo tengo claro”, dijo el actor malagueño a quién se le entrecortó la voz al hablar de lo que significó tener la oportunidad de volver a trabajar con él.

“Cuando terminé el rodaje de La piel que habito una pregunta que rondaba mucho en mi mente era la de si iba a poder tener la oportunidad de hacer una película con Pedro Almodóvar otra vez y llegar desnudo y tirarme de verdad al barro y poder crear con él y cuando me llamó para Dolor y Gloria fue una emoción enorme simplemente la llamada en la que me decía que me iba a mandar un guión.

No me podía creer que iba a interpretarlo a él así que después de leerlo le llamé inmediatamente para decirle, ‘estoy a tus órdenes, quiero realmente encontrar la verdad de por qué quieres hacer esta película, por qué me has llamado a mí para hacerla y empezar desde cero’. Yo he hecho 113 películas y todo lo que se ha venido estos días de Palmas y de historias y de premios, no me importan nada. Los meses de verano pasados cuando rodamos esta película han sido probablemente los más felices como actor en mi vida, y eso, ¡no me lo puede quitar nadie!”, finalizó el actor con un nudo en la garganta.

Una de las escenas favoritas del director en la película es la del beso entre Banderas y Sbaraglia, de la cual contó, “yo querría haber besado tanto a uno como a otro y con la misma intensidad. No me he atrevido a pedírselos ni como director ni como hombre pero ya se lo comentaba anoche a Leo que está bien ver que dos hombres de 50 años se besan apasionadamente y se excitan porque el cine no da muchas imágenes como esa, sobre todo de esa edad.

Yo sí tuve la experiencia de un amor truncado en un momento en que la pasión estaba viva y es dolorosísimo porque cuando algo está vivo es antinatural tener que cortarlo. Además, es una experiencia que mucha gente habrá tenido y con la cual se puede identificar. En mi caso no he tenido la oportunidad de esa reconciliación por eso me hubiera encantado estar en medio de los dos y poder besar apasionadamente a Leo Sbaraglia y Antonio Banderas pero nunca me he atrevido y mucho menos en los tiempos que corren”, confesó el realizador que es bien conocido por su activismo en contra de la extrema derecha española representada por el partido político Vox que en los últimos meses se ha estado pronunciado en contra del matrimonio gay y los derechos de la comunidad LGTB.

Scorsese charla con De Niro

Nueva York.— Lo mejor del Festival de Cine creado por Robert De Niro en el año 2002 para reavivar las zonas más afectadas tras los atentados del 11 de septiembre en Nueva York son precisamente las Tribeca talks, charlas con las que grandes estrellas de la cinematografía mundial se sientan una hora a contarle al público los pormenores de sus carreras, datos curiosos y lo que se le has quedado grabado en la memoria de los sets.

En este marco fue donde el propio De Niro invitó al director con el que ha trabajado en nueve filmes y con el que forjó gran parte de su carrera, Martin Scorsese, a contarle a todo el auditorio del teatro Beacon cómo fueron esos primeros años (y los que siguieron) en los que empezaron a trabajar juntos y hacer historia.

En la audiencia estaba Leonardo DiCaprio, quien había intentado ir de incógnito pero lo descubrió Scorsese cuando al referirse a él desde el estrado dijo: “por cierto que Leo está aquí, en alguna parte, escondido, ‘¿dónde estás Leo?’”, preguntó varias veces hasta que DiCaprio se puso de pie sin quitarse su gorra de beisbol y saludó desde las primeras filas.

Leonardo ha participado en cinco películas del director neoyorquino y De Niro contó que él recomendó a Scorsese trabajar con el actor.

El director lo confirmó: “Robert fue quien me convenció para que protagonizara El lobo de Wall Street porque él lo había conocido haciendo Boy’s life en 1993 y le había parecido espectacular. ‘Está este chico, Leo DiCaprio. Es realmente bueno, tú tienes que trabajar con él en algún momento Marty’, me dijo. Y la verdad es que fue una extraordinaria fortuna hacerlo, porque a DiCaprio le gustan el tipo de películas que hacemos. No tiene miedo a tocar ciertos tópicos y es un actor al que le preocupa la verdad de un personaje y de una situación. No le da miedo tomar riesgos e ir hacia donde tenga que ir con todas estas cosas”.

También contaron que la mítica película Toro salvaje (Raging bull) casi no se hace porque los ejecutivos del estudio estuvieron a punto de cancelarla pues la biopic del boxeador Jake LaMotta les parecía muy violenta.

“Yo no entendía el boxeo pero me di cuenta de que la cinta en realidad era acerca del atleta en sí mismo, más allá del deporte”, explicó Scorsese sobre el filme.