Autor: Alejandra Musi

Bill Murray: el actor que desafía todos los protocolos.

Artículo publicado en El Universal. Cobertura Festival de Cannes 2019.

Cannes, 15 de mayo. En un Festival en el que todo está cronometrado al milímetro tener a un actor como Bill Murray a quién le gusta desafiar los protocolos es una bocanada de aire fresco. Las anécdotas que rodean al actor lo hacen muy especial. Por ejemplo, que no tiene agente y que todo lo realiza con acuerdosverbales. La propia Sofía Coppola contó a El Universal en entrevista hace unos años que cuando filmó Lost in Translation, filme que Murray protagonizó, no supo si iba a aparecer en el set de Tokio hasta el último momento. “Sólo me dijo sí, iré, y ya no volví a saber de él hasta el día que empezó el rodaje”, aseguró la directora. Otro de los mitos que lo rodean es que le encanta hacer felices a los demás sorprendiéndolos. Las historias son de lo más diversas: desde aparecer de improviso en una fiesta que elige de forma aleatoria y en la que se pone a lavar los platos ante los ojos atónitos de los anfitriones o cuando le pide al encargado de una cafetería que lo deje estar un rato en la caja registradora cobrándole a los clientes. Son tantas que incluso hay un sitio llamado Bill Murray Stories (www.billmurraystory.com) en el que las personas van subiendo sus fotos con él y contando cómo fue que lo conocieron y lo que hizo por ellos. Con esta expectativa (e incertidumbre) Murray apareció en la alfombra roja de Cannes y cumplió con todas las actividades de prensa que había prometido hacer. Como era de esperarse, dejó buenos momentos como las carcajadas que provocó en la rueda de prensa de la película TheDeadDon´t Dieque protagoniza al lado de Tilda Swinton, Selena Gomez, Adam Driver y ChlöeSevigny. El filme de zombies cuyo propio director describió como “una comedia de horror”, habla de la vida después de la muerte aunque el actor dijo creer en que “hay algunas personas que sí viven después morir pero muchas otras no”. Entre otra de las particularidades de la estrella americana está el que para convencerlo de hacer una película hay que dejarle un mensaje de un minuto en el contestador de su teléfono de casa y si lo que le cuenta el director lo convence entonces lo contacta. Si no, lo deja pasar y nunca responde. En este contexto, cuando un periodista le preguntó qué es lo que le había dicho JimJarmush para que se decidiera a hacer la película le respondió que lo que hace Jim es aventarte mucho dinero, “pero muchísimo ¿eh? Él sólo te avienta dinero, te manda muchas cosas a casa. Por días y días te empiezan a llegar regalos a tu puerta y entonces piensas, ‘ay Dios, creo que Jarmush quiere trabajar conmigo’. Puedes saber quién es por la forma en la que opera. Es un manipulador y no sé cómo demonios conseguí este trabajo”. La respuesta no le hizo mucha gracia a Jarmush, quién no cambió su rostro de seriedad mientras que Murray continuó hablando, “el guión me pareció muy divertido. Que por cierto, no sé ni cómo lo conseguí. Pero Jarmush vive en blanco y negro de una forma graciosa. Todo en él es acerca de sombras. Es alguien que aparece en el día pero llega vestido de noche”, agregó arrancándole una leve sonrisa al director de Ohio.

Al hablar de las cosas difíciles para los actores, Murray dijo que algo que encontraba aterrador era Cannes, provocando las carcajadas, nuevamente, de la audiencia. “Pero seguro que en La Croisette no encuentras zombies”, le dijo el moderador a lo que Bill respondió muy serio, “eso dices tú”.

Los problemas que enfrenta el cine

No todo fueron risas pues la seriedad llegó cuando Bill habló de los problemas del cine y dijo que todos los que estaban ahíhacían eso para ganarse la vida, “hablando sólo por mí puedo decir que doy lo mejor de mí cuando estoy trabajando para vivir. Cuando no estoy trabajando soy perezoso pero cuando estoy en un filme estoy en la mejor representación de mi conciencia así es que soy mejor persona cuando hago una película. Y mi preocupación por el planeta se demuestra en mi preocupación por el filme y por las personas que trabajan en él. Incluso el hecho de estar aquí hoy con ustedes hablando de la cinta habla de ese gran esfuerzo que hago. Ese es el pedazo de hielo sobre el cual sobrevivo y que espero no se derrita”, dijo provocando aplausos.

A Selena Gomez lo que le asusta son las redes sociales

Selena Gomez también apuntó que a ella el tema que más le preocupaba era el de las redes sociales. Para la estrella, que tiene más de 150 millones de seguidores las redes sociales son, para su generación en específico, “algo terrible. Entiendo que es increíble usar tu propia plataforma pero me asusta cuando veo lo expuestos que están los jóvenes. No están al tanto de lo que realmente está pasando y no quiero decir que se vuelven egoístas porque es muy agresivo pero sí que es peligroso el que las personas ya no están pudiendo recibir toda la información que deberían”.

(Recuadro) Ellas aman y odianel terror

ChöeSevigny. Aterrorizada desde pequeña.

La actriz americana contó que “cuando era pequeña vi El exorcista y me aterró así que fue a hablar con mi cura porque me crié en la religión católica así que le expliqué mis miedos y me dijo, ‘sí, es verdad. Usualmente le sucede a las chicas jóvenes así que no actúes raro o juegues a hacer brujerías porque estás invitando al diablo a entrar a tu alma así que estoy aterrada desde entonces”.

Selena Gomez. Adicta al horror.

Estoy obsesionada con las cintas de terror. Cuando era pequeña mi papá me dejaba verlas para asustarme y así él podía reírse y después me enganché. No lo sé me gusta todo: desde Zombieland, TheWalkingDead y la serie de Netflix llamada Black Summer”.

Iñárritu toma Cannes

Artículo publicado en El Universal. Cobertura Festival de Cannes 2019.

Cannes 14 de mayo de 2019. Hoy en Cannes se habló mucho español. Desde la rueda de prensa en la que todos los micrófonos esperaban las respuestas del Presidente del Jurado, Alejandro González Iñárritu,quién se permitió decir algunas frases sin traducir al inglés, hasta la gala de inauguración en la que el cineasta mexicano no dudó en dar todo su discurso en su lengua materna. Y es que por primera vez en las 72 ediciones del Festival de Cannes un latinoamericano tiene el máximo honor y la gran responsabilidad de decidir junto con los demás miembros del Jurado (la directora MaimounaN’Diaye, la actriz Elle Fanning, la cineasta Kelly Reichardt, la directora Alice Rohrwacher y los directores EnkiBilal, Robin Campillo, YorgosLanthimos y PawelPawlikowski) quién será la siguiente Palma de Oro, el trofeo más prestigioso de la cinematográfica mundial.

Después de que por la alfombra roja desfilaran todas las estrellas de la noche entre las que no faltó Iñárritu acompañado de todos sus compañeros del Jurado o el elenco de la cinta de apertura TheDeadDon`t Dieen Competencia Oficial dirigida por JimJarmush, en el Gran Teatro Lumiére se proyectó un resumen de las películas del director mexicano como un bello tributo a su legado artístico. Emocionado y entre aplausos Alejandro salió a dar un discurso en el que hizo un guiño a sus comienzos diciendo que hace 20 años cuando llegó con Amores perros a la Semana de la Crítica nunca hubiera podido imaginar que hoy estaría aquí. “Es un gran honor haber sido invitado a este Festival como Presidente del Jurado y poder tener el privilegio de estar rodeado de estos colegas, cineastas y artistas que me acompañarán en esta decisión tan importante que le puede cambiar la vida a una persona. Vamos a aprender, a transformarnos. Mi compromiso y mi cometido es la admiración, la devoción a las obras y el darnos a la tarea de encontrar el trabajo que realmente resuene en nosotros. Va a ser emocionante, delicioso y un reto. Pero al final, el verdadero juez será el tiempo”, dijo minutos antes de que Javier Bardemsaliera junto a la actriz francesa Charlotte Gainsbourg al escenario para dar el banderazo de salida de esta 72ª edición de Cannes. Bardem, después de declarar inaugurado el Festival, no se resistió a agregar en emotivo español, “qué honor tener a Alejandro como Presidente de este Festival tan extraordinario ¡Mucha suerte a todos!”

Algo a destacar en este año es el gran esfuerzo que ha hecho el Festival por lograr la igualdad de género, hecho que se tradujo en laimagen de ver un Jurado conformado por 4 mujeres y 5 hombres. Pero los números van más allá y este año Cannes ha logrado la participación de 20 mujeres directoras como parte de la Selección Oficial con 4 filmes en Competencia, 8 en la sección Una cierta mirada, 3 proyecciones especiales y 5 cortometrajes en Competencia. En 2018 hubo un total de 11 directoras, 12 en 2017, 9 en 2016 y tan sólo 6 en 2015. Al respecto,Iñárritu comentó en la rueda de prensa oficial del Jurado que el verlos a todos, mujeres y hombres ahí sentados, era en sí misma una declaración de principios. El mexicano también aprovechó para dar su visión de la situación actual del mundo en la que no pudo evitar centrase en la relación de México con Estados Unidos y la gravedad del discurso separatista y agresivo en contra de los inmigrantes y las fronteras. “El problema es la ignorancia porque es muy fácil manipular a las personas. Estoy absolutamente en contra de lo que está ocurriendo en el mundo actualmente y sabemos el camino hacia dónde nos va a conducir esta creación de diferencias y de desigualdades si seguimos así. En lugar de evolucionar estamos dando pasos hacia atrás”, dijo con seriedad. Pero también hubo ocasión para las risas cuando se le preguntó si tenía algún plan en mente para realizar esta tarea y respondió entre bromas, “no sé cómo va a funcionar, nunca he sido Presidente del Jurado y no he podido controlar nada en mi vida, ni siquiera mis sets o mi familia ¡Nada! Así es que ser un Presidente es una de las situaciones más extrañas que he vivido y tengo que decir que ser un Presidente mexicano es peligroso”, bromeó.

El Photocalldel Jurado fue otro momento divertido en el que Alejandro primero se hizo fotos con las mujeres y luego con los hombres que lo conforman. Sus dotes de director no tardaron en salir cuando le propuso a Pawlikowsky, Lathimos, Campillo y Bilal jugar a quitarse los lentes de sol al mismo tiempo para los clics. Por la noche, antes de entrar de lleno a la alfombra roja, se tomó un momento para hacerse selfies y repartir autógrafos a los fans que se agolpaban en las vallas esperándolo.

Entre los momentos curiosos de la velada queda la euforia de Javier Bardem al llegar a la gala y bajarse del coche oficial con Charlotte Gainsbourg y ponerse a cantar y bailar BloodySunday de U2. O cuando Bill Murray, siempre un misterio pues es de los pocos actores que no tiene agente y nunca confirma su presencia, apareció entre la comitiva de la cinta de JarmushTheDeadDon´t Die y dijo que lo que esperaba era poderse ir a dar un chapuzón a la playa en algún momento de la noche. Algo muy probable considerando que al actor le encanta escaparse de los protocolos oficiales y aparecer en las fiestas de los locales en donde ha acabado lavando los platos por el mero placer de sorprender a los improvisados anfitriones.

Entre las divas de la noche robó cámara la actriz Eva Longoria quién dijo sentirse orgullosa de que un mexicano fuera la máxima figura de este Festival, Julianne Moore llegó acompañada deCarolineScheufele, directora artística deChopard, la firma de joyería creadora de la Palma de Oro y Tilda Swinton hizo gala de su excéntrica elegancia al lado de ChloëSevigny que siempre marca tendencia y la bella Selena Gomez.

Un Festival lleno de estrellas en la Competencia Oficial con nombres como el de Almodóvar, Tarantino o Ken Loach, por mencionar algunos, pero que Iñárritu dejó muy claro que la fama o el prestigio no afectarán el acercamiento que se tenga ante estas obras, “me gustaría que todos veamos los filmes sin saber quién los dirigió. Deberíamos ver las películas sin pensar en género, fama, nacionalidad o reputación y esa es la forma en la que apreciaremos cada obra por respeto al cine”, aseguró.

Festival de Cannes: el negocio del prestigio

Columna publicada en El Universal. Cobertura Festival de Cannes 2019.

Cada año, con el Festival de Cannes en puerta me pregunto, ¿por qué quiero volver? Es una experiencia agotadora en la que cada día la rueda de las películas, conferencias de prensa y entrevistas empieza al amanecer y no para hasta la madrugada. Duermes poco, comes mal y entras en un permanente estado de estrés. Pero ahí estás y curiosamente, te sientes privilegiado.

Algo tienen estos eventos que se vuelven adictivos. Lo primero que hay que saber es que los festivales de cine se clasifican según su prestigio siendo los de Clase A, los más importantes. Actualmente hay 15 en el mundo pero los más destacados son Berlín, Cannes y Venecia y es adonde los directores de cine sueñan con llevar sus películas.

Para ser un festival de clase A se debe tener una competencia y cumplir con los estándares de la FIAPF (Federación Internacional de Asociaciones de Productores de Filmes) que demanda un alto nivel de organización, calidad en la selección de las películas y jurados, infraestructuras, etcétera.

No cualquiera puede estar ahí: ni el que presenta sus creaciones, ni quienes hablamos de ellas. Todos somos parte de la llamada gamification en marketing, tu paso por los festivales hace que entres en un juego de recompensas, niveles, progresos.

La primera vez que vas no logras entrar a nada, pero van pasando los años y ven tu desempeño y fidelidad, suben tus bonos, vas abriendo puertas desconocidas, logrando accesos exclusivos y eso es irresistible.

Pero nadie se salva: lo mismo le ocurre a los directores de cine que van escalando de secciones hasta llegar a la Sección Oficial, a los actores que empiezan a ser invitados a ser jurados, etcétera.

Por supuesto, esto es un gran negocio: el festival cuesta 25 millones de dólares aproximadamente. De este presupuesto, casi 400 mil dólares se destinan a las Palmas de Oro, el máximo galardón del festival confeccionado con 118 gramos de oro de 18 quilates sobre piezas de cristal de roca (éstos requieren 40 horas de trabajo de siete orfebres y cada Palma está valorada en 20 mil dólares).

Cannes tiene una población de 70 mil habitantes pero el festival eleva el flujo de gente a 200 mil personas. Para entrar a las galas hay que ir con esmoquin y durante esos días una treintena de comercios los venden sin descanso con precios que oscilan entre los 500 y los 3 mil dólares.

Los hoteles y departamentos de alquiler triplican sus precios y llegan a la ocupación máxima. Las celebrities pagan más de 40 dólares por noche en el Penthouse del Hotel Majestic y los restaurantes, yates, casas de champaña y moda no paran de llenar sus arcas hasta que acaba la euforia.

Es el negocio del prestigio. Pero para que esto exista hay una pieza fundamental: las películas. Cada año, cuando sales de ver la nueva creación de ese director que te voló la cabeza, te sientes la persona más afortunada porque has sido testigo de algo grandioso, que sólo logra el cine. Entonces vuelves.

Scorsese charla con De Niro

Artículo publicado en El Universal

Nueva York.— Lo mejor del Festival de Cine creado por Robert De Niro en el año 2002 para reavivar las zonas más afectadas tras los atentados del 11 de septiembre en Nueva York son precisamente las Tribeca talks, charlas con las que grandes estrellas de la cinematografía mundial se sientan una hora a contarle al público los pormenores de sus carreras, datos curiosos y lo que se le has quedado grabado en la memoria de los sets.

En este marco fue donde el propio De Niro invitó al director con el que ha trabajado en nueve filmes y con el que forjó gran parte de su carrera, Martin Scorsese, a contarle a todo el auditorio del teatro Beacon cómo fueron esos primeros años (y los que siguieron) en los que empezaron a trabajar juntos y hacer historia.

En la audiencia estaba Leonardo DiCaprio, quien había intentado ir de incógnito pero lo descubrió Scorsese cuando al referirse a él desde el estrado dijo: “por cierto que Leo está aquí, en alguna parte, escondido, ‘¿dónde estás Leo?’”, preguntó varias veces hasta que DiCaprio se puso de pie sin quitarse su gorra de beisbol y saludó desde las primeras filas.

Leonardo ha participado en cinco películas del director neoyorquino y De Niro contó que él recomendó a Scorsese trabajar con el actor.

El director lo confirmó: “Robert fue quien me convenció para que protagonizara El lobo de Wall Street porque él lo había conocido haciendo Boy’s life en 1993 y le había parecido espectacular. ‘Está este chico, Leo DiCaprio. Es realmente bueno, tú tienes que trabajar con él en algún momento Marty’, me dijo. Y la verdad es que fue una extraordinaria fortuna hacerlo, porque a DiCaprio le gustan el tipo de películas que hacemos. No tiene miedo a tocar ciertos tópicos y es un actor al que le preocupa la verdad de un personaje y de una situación. No le da miedo tomar riesgos e ir hacia donde tenga que ir con todas estas cosas”.

También contaron que la mítica película Toro salvaje (Raging bull) casi no se hace porque los ejecutivos del estudio estuvieron a punto de cancelarla pues la biopic del boxeador Jake LaMotta les parecía muy violenta.

“Yo no entendía el boxeo pero me di cuenta de que la cinta en realidad era acerca del atleta en sí mismo, más allá del deporte”, explicó Scorsese sobre el filme.

Del Toro da charla magistral

Nueva York, 26 de abril de 2019. Guillermo Del Toro llegó a la charla que dio en el marco del Festival de Cine de Tribeca de Nueva York entre un remolino de personas que se agolpaban a su alrededor para intentar pedirle un autógrafo, tocarlo, hacerse una selfie. Y el director tapatío, una estrella de la cinematografía mundial, a pesar del tumulto no dejó de sonreír ni de hacer malabares para intentar satisfacer las demandas de los fans que lograron batir las medidas de seguridad y estar más cerca. En el auditorio BMCC Tribeca Performing Arts Center no cabía un alfiler. De hecho, los boletos para este encuentro en el que Alec Baldwin guió el panel con Del Toro se agotaron muchos días antes. Y Guillermo no defraudó, pues desde el minuto en el que apareció en el escenario no paró de hacer bromas, de hablar con franqueza y de sorprender al propio Baldwin que en repetidas ocasiones le dijo que era uno de sus directores favoritos y que lo consideraba un gran artista. El oscarizado mexicano habló durante más de una hora de los inicios de su carrera, de los aprendizajes que ha tenido, su relación con los actores y su pasión por el cine desde que era muy pequeño. “Cuando era un niño esta era mi definición de lo que quería como carrera: ‘ser un biólogo marino que estudia las criaturas del océano y escribe historias de terror. Cuando encontré la dirección de cine pensé: ‘esto lo cubre todo’”, contó entre risas. “Nací y crecí en Guadalajara así que en mi época todo lo que querías estudiar estaba en la capital, en la Ciudad de México y tenías que ir ahí para hacerlo. Y en un punto, las personas de Guadalajara dijimos, ‘no hay escuela de cine, ¡creemos una!, no hay Festival de cine, ¡vamos a hacer uno! y el Festival que creamos 35 años atrás es ahora uno de los festivales más grandes del mundo. El primer año de ese festival yo era uno de los directores, el vendedor de tickets, el proyeccionista y el tesorero. Y la belleza de hacerlo es todo lo que aprendí porque en ese entonces no habían vídeos y todo era en bovinas. Cada sábado y domingo proyectábamos filmes y organizábamos ciclos de películas de Fellini, Hitchcock, Buñuel y durante 8 años hubo una gran educación fílmica”, recordó el director que dijo que si algo le encanta es poder transmitir conocimientos y que intenta seguir haciéndolo siempre que puede, “amo enseñar, amo explicar las cosas porque cuando lo haces realmente aprendes. Ahora mismo estoy enfocado en enseñar animación y en Guadalajara he creado unos talleres de Stop-Motion  en donde les digo a los animadores cómo estructurar un guión paso a paso ¡Y me fascina!”, aseguró el cineasta que también creó las becas Jenkins-DelToro para ayudar a los jóvenes mexicanos con todos los gastos para que puedan estudiar en las mejores universidades de cine del mundo. Guillermo también enfatizó que nunca pensó hacer su carrera en el extranjero y que cuando él empezó a hacer cine lo que siempre soñó fue, “lograr ser un tipo raro en Guadalajara haciendo películas raras y de género… ¡en Guadalajara! Quería hacer cine negro en mis calles, filmar películas de terror en mi barrio. Así es como surgió Cronos”.

Del Toro también habló de cómo básicamente todas sus películas tratan acerca de amar algo sin importar nada más y de la ardua preparación que hace antes de cada rodaje como el que tiene planeado empezar en septiembre de este 2019 del cual no dio nombres pero sí contó anécdotas, “justo ayer me pasé todo el día en tiendas de antigüedades buscando las cosas que van a ir dentro de una maleta que uno de los personajes va a llevar por ahí. Compré una cartera, dinero de 1932, un kit de afeitado que quepa en la bolsa, etc. Y hago eso durante meses. Para Sally Hawkins en La forma del agua fuimos también de compras y ahí encontramos el reloj en forma de huevo y el cepillo que utiliza para limpiar sus zapatos. Para mí los personajes son reales, cuando una película viene a mi mente escribo su biografía. Le doy de 8 a 10 páginas a los actores con lo que el personaje come, sueña, escucha, lee, ve, le gusta y le disgusta y al final les digo un secreto del personaje que no pueden compartir con el resto del equipo. Sólo ellos y yo sabemos cuál es. Algunos actores lo utilizan y otros no. Por ejemplo, Richard Jenkins en La forma del agua me dijo, ‘esto es genial, pero no lo voy a usar’”, contó provocando las risas de la audiencia.

El cineasta mexicano siempre ha pensado que un director no tiene que hacer las películas que necesita, sino las que lo necesitan a él, “ahí es cuando tu voz realmente resuena, cuando haces algo que quisieras ver y que nadie más está haciendo”.

También habló del por qué su pasión por los monstruos, “porque vivimos en un un mundo que tiende a hacer blanco o negro. Y nadie es blanco o negro, todos existimos en el medio. Tenemos el derecho a ser multicolor. Somos criaturas complejas y creo que vivimos en una época en la que los medios nos dicen que tenemos que ser perfectos. Tener el pelo perfecto, la dentadura, no sudar… No, no, no. Déjame ser imperfecto. Yo sólo quiero ser un buen ser humano y no hay comerciales para eso. Y los monstruos permiten que la imperfección sea santificada además de que ser imperfecto es una meta a la que cualquiera puede aspirar. Si todos estuviéramos de acuerdo en que estamos mal de alguna manera, nos llevaríamos mejor. La tiranía de la perfección es repulsiva, es una tortura mental. Nadie puede vivir en esos estándares”, aseguró provocando los aplausos del público.

Cuando las estrellas mienten

Después de diez años viviendo en Estados Unidos puedo decir que una de las cosas que más nos cuesta entender a los latinos es que los hijos se tengan que ir de casa  cuando entran a la Universidad pero algo que es igual de inquietante y nadie te cuenta es cómo desde que los niños están en tercero de primaria las escuelas públicas separan a los “más talentosos” para que tengan clases de mayor nivel que los del resto. Es decir, que desde que un niño tiene 8 años ya está compitiendo y así será toda su vida escolar si quiere conseguir ser parte del 6% de los jóvenes elegidos por una Universidad prestigiosa que les garantizará seguir en el sistema del sueño americano, es decir, el de formar parte de la élite para a su vez, en un futuro lograr trabajos bien pagados que les permitirá replicar el modelo con su futura descendencia pudiendo pagar lo que cuestan estas colegiaturas top (un promedio de 60 mil dólares anuales) y hacer que la rueda del consumo y el “bienestar” sigan girando indefinidamente. 

Entender esto explica por qué el escándalo en el que se han visto implicadas estrellas como Lori Loughlin que enfrenta una condena posible de hasta 20 años de cárcel (Full House) y Felicity Huffman (Mujeres desesperadas) ha tocado fibras tan sensibles, pues han puesto en evidencia que hasta lo más sagrado del sistema, la meritocracia, el “si te esfuerzas lo consigues”, está corrupto. A estas alturas es bien sabido que Loughlin pagó 500 mil dólares para asegurarle dos lugares en una de las universidades más cotizadas de Estados Unidos, la USC (University of Southern California) a sus hijas gemelas o que Huffman dio una suma de 15 mil dólares para subirle el puntaje a su hija en el examen que más cuenta en las admisiones. Pero lo cierto es que ellas son sólo la punta del iceberg de una operación en la que se encuentran involucradas más de 30 familias poderosas según ha detectado el FBI y lo que estará por descubrirse. 

Muchas veces le he preguntado a las estrellas si sienten que la fama también los pone en un lugar de responsabilidad porque se vuelven modelos a seguir. La mayoría entiende el compromiso que tiene estar bajo los reflectores. Muchos de ellos, incluso, se vuelven activistas. Pero algunos se excusan diciendo que su función se limita a entretenernos. Lo cierto es que el impacto que tiene lo que hacen los famosos es muy grande y este caso lo demuestra. Lo que ellas hagan o dejen de hacer genera eco en la sociedad porque las celebridades ejemplifican mejor que nadie el sueño de que la fama y la fortuna se pueden conseguir trabajando duro y con talento. Si los jóvenes que se han pasado una infancia y adolescencia construyendo su currículum para competir en el sistema dejan de creer, el capitalismo y los pilares en los que está cimentada esta sociedad revientan. Y eso no se puede permitir, menos si eres una estrella. 

Para Hollywood, las actrices envejecen cada vez más pronto

Hace unos años me enojé mucho al ver que Nicole Kidman se había vuelto adicta al bótox. “¿Cómo es posible que se haya hecho eso con lo guapa que es?”, pensaba mientras la entrevistaba por la película The paperboy. Me parecía innecesario que se esforzara por ocultar lo evidente: estaba envejeciendo.

“Hay que hacerlo con gracia”, “las arrugas son las marcas de nuestra vida”, son frases que solemos repetir. Lo cierto es que desde ese momento han pasado ocho años y yo también he empezado a envejecer y a entender por qué a las actrices este proceso les cuesta más que a nadie.

Hay un estudio que realizó la revista TIME analizando la trayectoria de más de 6 mil actores en el que se demuestra cómo las mujeres al principio de sus carreras reciben más ofertas para interpretar papeles que los hombres, pero cuando ellas cumplen 30 años ¡pum! la cifra empieza a descender de forma vertiginosa hasta tener que arañar cada personaje. Por el contrario, la carrera de los hombres llega a su cumbre a los 46 años y se mantiene así muchos más. Con el tiempo esto ha empeorado: cada vez más, ellas dejan de trabajar antes de los 30 y a ellos les va mejor después.

 Maggie Gyllenhaal ha contado cómo a los 37 años le negaron un papel porque era demasiado mayor para interpretar a la pareja de un hombre de 55.

Meryl Streep, próxima a cumplir 70 años, ha confirmado esta teoría al asegurar que las mujeres que tienen 60 años están viendo decrecer las oportunidades antes de lo que lo hacían sus colegas de más edad.

En un artículo de Vogue en 2011, Streep contó cómo fue cumplir 40 años: “Miré a mi marido y le dije: ‘¿bueno, qué deberíamos hacer ahora? Porque esto se acabó’”.

Ese año Meryl donó dinero a un laboratorio de guionistas para proyectos con mujeres maduras. Julianne Moore, a sus 59 años, ha empezado a hacer lo mismo.

No todas las actrices tienen la oportunidad de desarrollar sus propios proyectos y para muchas la pregunta de la edad sigue siendo un tabú y la respuesta un cliché, pues cada vez que le menciono el tema de los años a alguna estrella de Hollywood ésta suele tener la sonrisa lista para decir que ama las marcas que le ha dado el tiempo.

La que más me conmovió es Jane Fonda quién al hacer su documental Jane Fonda in five acts declaró que se arrepiente por haberse hecho esclava del bisturí: “Odio el hecho de haber tenido la necesidad de alterarme físicamente”.

Y yo sólo puedo pensar en lo mucho que la entiendo. A ella, a Nicole Kidman y a todas las mujeres que necesitan detener el tiempo para no volverse invisibles.

columnaunmundodecine@gmail.com

I ❤ Frida

Frida Kahlo llega a Nueva York para demostrarle al mundo que el arte no tiene muros.

La exposición ha sido curada por la mexicana Circe Henestrosa y el equipo del Museo de Brooklyn cuya directora asegura que querían hacer el show lo antes posible porque NY necesita contar historias positivas de México y sus inmigrantes.

Alejandra Musi
*ARTICULO PUBLICADO EN LA PORTADA DE CULTURA DE EL UNIVERSAL EL 6 DE MARZO DEL 2019.
 

Es imposible no valorar el impacto que tiene el momento en el que la exposición más grande de los últimos diez años de Frida Kahlo llega a Nueva York. Y es que si ha habido un icono de la fuerza femenina en México ha sido el de la artista que desde su estancia en los años 30’s en Estados Unidos mostró su mexicaneidad con orgullo. Para Anne Pasternack, directora del Museo de Brooklyn, la exhibición llamada Las apariencias engañan (Appearances Can Be Deceiving) que estará desde el 8 de febrero hasta el 12 de mayo en este emblemático recinto y que muestra el guardarropa, los accesorios y joyas más emblemáticos de la artista así como los corsets y elementos ortopédicos pintados a mano por ella entre otras importantes obras y fotografías provenientes de la Colección de Jacques y Natasha Gelman, “es una muestra de que el arte no tiene muros y que uno de los grandes valores de USA es la libertad y que Nueva York ha sido un lugar que siempre le ha dado la bienvenida a los inmigrantes. Quisimos hacer esta exhibición lo más rápido posible porque sabíamos que necesitamos contar historias positivas acerca de Mexico, de lo maravilloso que es y lo grande del ADN de este país”, contó a la admiradora de Frida porque “era una mujer que no ocultaba nada, ponía todo lo que sentía en su arte. Además, el Museo de Brooklyn es como Frida porque somos una institución curiosa que no tiene miedo a tocar los temas difíciles como los que se abordan en esta exposición pues en ella también hay una visión de la política y de la discapacidad”, explicó.

Expo de Frida Kahlo en NY.

Todo surgió con la investigación que Circe Henestrosa comenzó a hacer a raíz del descubrimiento del guardarropa de Frida Kahlo en el 2004. Circe fue la curadora de la primera exposición de Frida con esta temática en La Casa Azul – Museo Frida Kahlo en el 2012 y que después fue llevada a Londres al Victoria & Albert Museum en el 2018 para finalmente desembarcar en Nueva York este 2019 con varias novedades que la harán muy especial: contará con obras de otros museos que no se habían prestado antes como Ahora que estoy pelona propiedad del MoMA, la colección de arte mesoamericano del Museo de Brooklyn se incorporó de forma especial a la exhibición para acentuar los intereses que tenían Frida Kahlo y Diego Rivera por este tipo de arte del cual eran coleccionistas y además estará presente la relación que Frida tuvo con Estados Unidos con su complejidad y conflictos porque aunque Kahlo amaba Nueva York era comunista y estaba muy en contra del estilo frívolo de la clase acomodada de la ciudad. Detroit fue una ciudad que le horrorizó por su fundamento industrial y San Francisco le causaba la misma fascinación y rechazo que NY. Todo lo que despertó en Frida esta relación con USA fue algo que los curadores tomaron en cuenta para enriquecer y darle un marco diferente a la exhibición. Para Catherine Morris, curadora para el Centro de Arte Feminista Elizabeth A. Sackler del Brooklyn Museum, “explorar la compleja y a menudo conflictiva relación de Frida con Estados Unidos es una parte muy importante de su historia. Sus experiencias en San Francisco, Nueva York y Detroit jugaron un papel clave en el desarrollo de su arte, sus visión política y fueron instrumentales al momento de elegir el enfoque de sus decisiones”.

La imagen de Frida Kahlo en New York.

Para Circe Henestrosa, “este es un momento importante entre México y Estados Unidos y por eso es que yo quería traer esta exposición aquí pues es traer a México con mucho orgullo adaptando el guión curatorial de las exposiciones pasadas para enriquecerla con el equipo de curadores locales del Museo de Brooklyn y que sigue la historia de cómo Frida construyó su identidad a través de elementos de discapacidad y etnicidad. Y es que Frida eligió el vestido de tehuana como su logotipo y cuando se descubrió el guardarropa en el 2004 también aparecieron todos sus aparatos ortopédicos y un dibujo muy especial que se llama “Las apariencias engañan” que es muy importante porque en él Frida se muestra a ella misma desnuda con la pierna derecha más delgada que la izquierda, portando un corset y con un vestido de tehuana en la silueta y lo que nos explica es cómo el vestido de tehuana le ayudaba a llevar bajo todas esas capas de ropa su enfermedad y su discapacidad porque debajo de todos esos huipiles y telas estaba su cuerpo herido”, explicó la curadora para quién esta investigación fue algo muy especial pues su familia paterna viene de la zona de Tehuantepec y su tía abuela, Alfa Henestrosa, le hacía los vestidos de tehuana a la artista, “yo misma soy una portadora del vestido de tehuana y quería saber por qué Frida lo escogió como su logotipo y descubrí que cuando decidió vestirse así estaban cambiando muchas cosas en su vida: era la época en que José Vasconcelos empezó a promover todos los valores y la cultura mexicana a través de la idea de mexicanidad en el tiempo que se conoce como el Renacimiento mexicano. Es cuando él comisionó a muralistas como Adolfo Siqueiros, José Clemente Orozco y Diego Rivera a pintar  estos temas porque él pensaba que el país iba a salir del trauma de la Revolución con la educación y la promoción de la cultura. Entonces Frida Kahlo se alineó a estos valores y empezó a buscar una identidad que la hiciera ver muy mexicana”, apuntó la experta para quién la estancia de Frida en Estados Unidos también fue clave, “ella se casó con Diego Rivera en 1929 y de 1930 a 1933 vivieron en Estados Unidos y ahí es cuando ella adquiere el look por completo porque es donde Frida siente que quiere proyectar aún más los valores mexicanos. Cuando ella elige este vestido no lo hace por casualidad: es un vestido que viene del Istmo de Tehuantepec que es una sociedad matriarcal con lo cual ella elige un vestido que simboliza a una mujer fuerte y poderosa y que también le ayuda a lidiar con su cuerpo porque todos los accesorios del vestido concentraban la atención del observador del torso hacia arriba distrayéndote de sus piernas. Cuando adquiere este look es el comienzo de Kahlo como gran artista, pero también del deterioro de su cuerpo. Y es un atuendo que le ayuda a mostrar sus convicciones políticas y a decirle al mundo que ella era comunista y mexicana”.

Según explicó Lisa Small, Curadora de Arte Europeo del Museo de Brooklyn, “esta exposición es muy importante porque es la primera que se hace en Estados Unidos que incluirá algunas de las ropas y posesiones personales provenientes de la Casa Azul en México mostradas en contexto con sus obras de arte más celebradas”. Para Morris, “el arte y la historia de Frida Kahlo resuena a través de las fronteras geográficas e históricas”.

¿Por qué ésta es la exhibición de Frida más grande de la década? Aquí los datos:

La exhibición se organiza temáticamente en 10 secciones:

Roots (30 objetos) Gringolandia (11 objetos) Marriage (12 objetos) Art and Revolution (6 objetos) Picturing Mexico (26 objetos) The Blue House (84 objetos) Disability and Creativity (50 objetos) Fashioning Gender (5 objetos) New York Exhibition (9 objetos) Art & Dress (102 objetos).

Habrán más de 300 objetos en total:

Pinturas (11 de Frida Kahlo), Ropa (22 atuendos), Fotografías (+150), Artefactos personales (50+ objetos) Trabajos en papel (15 de Frida Kahlo)

Objetos añadidos por el Museo de Brooklyn:

  •  3 pinturas adicionales de Kahlo, incluyendo la obra del MoMA, el Autorretrato ahora que estoy pelona (Self-Portrait with Cropped Hair, 1940); el Retrato de Diego Rivera, de The Jacques and Natasha Gelman Collection of 20th Century Mexican Art y The Vergel Foundation y Frutos de la Tierra, de Citibanamex.
  • Para la sección del tiempo de Kahlo en Nueva York se incluyen materiales de archivo de su primera exhibición en solitario en 1938 en la Galería Julien Levy de NY.   
  •  Más de 40 fotografías de los archivos Throckmorton Fine Art, Mary-Anne Martin Fine Art y the Nickolas Muray Archive.
  •  Approx. 45 objetos de la colección del Museo de Brooklyn realizados para la colección Arts of the Americas.

Comedia vs. Trump

El próximo domingo 20 de enero, HBO presenta la tercera temporada de “Crashing”.

Este 20 de enero HBO estrena la 3a temporada de Crashing, la serie de HBO que protagoniza Pete Holmes y dirige Judd Apatow quienes hablaron de la frustración que se vive en Estados Unidos frente a su Presidente.


Por Alejandra Musi


“Crashing” es la serie de HBO que ha tenido gran éxito debido
a su humor negro. Pete Holmes interpreta a un comediante que después de descubrir la infidelidad de su esposa tiene que reinventarse a la par de sus intentos por conquistar la complicada escena de la comedia neoyorquina.

Según contó Holmes en la Gran Manzana, “muchas cosas que se muestran en la serie son hechos que suceden actualmente en los clubes de comedia de Nueva York”. Lo cierto es que en Crashing hay situaciones
dolorosamente divertidas, “para mí, es una serie que habla del tipo de comediantes que amo: personas muy sensibles y que se sienten incómodas en muchas situaciones”, agregó Holmes, quién además es el creador de esta serie.


Acerca de si la comedia es un medio que le permite a las personas hablar de temas que en otros contextos son intocables comentó, “soy un gran creyente de que lo que hace a la comedia valiosa es que nos deja reírnos de la parte más rara y oscura de nosotros mismos. Eso no quiere decir que no me sienta ofendido por ciertas bromas en algunas ocasiones, me ocurre
todo el tiempo”, contó el famoso cómico para quién lo importante es saber en dónde está la línea entre reírte de cosas para hacer catarsis o cuando hay mala intención y crueldad con las bromas que haces.

En ese sentido, para Pete alguien que representa muy bien cuando la comedia está hecha con mala intención y no tiene ética es Trump, “creo que lo que nos ha pasado es que nos sentimos impotentes para detenerlo. Es como si pudiera hacer y decir cualquier cosa que quiere sin que ocurra nada así es que quizá, como nos sentimos tan impotentes frente a él lo que está sucediendo entre los cómicos y las personas en general es que intentamos ser más cuidadosos con lo que decimos porque al menos ahí sí podemos hacer algo. En un mundo perfecto él sería el que terminaría muy mal pero en el mundo real son los comediantes los que tienen que ser cuidadosos”, reflexionó.

Crashing, TV Serie
Crashing, TV Serie

Judd Apatow, productor de más de 60 series, películas de éxito y guionista de más de 40 proyectos como “Girls”, es el director de “Crashing” y habló acerca de su amor por la comedia y los problemas a los que este género se ha enfrentado, “la comedia ha sido mi salvación, es algo que ordena mi realidad, que me da trabajo y por ello quiero que sea una fuerza positiva. Quiero que las personas que hacen comedia ayuden a la gente, la iluminen, la hagan más feliz.


“Si la comedia se vuelve destructiva me molesta profundamente. Por ejemplo, cuando algo como lo de Bill Cosby ocurre me devasta porque para mí la comedia tiene que ser algo que le de luz a las cosas oscuras y que pierde todo el sentido cuando lastima”.

Para Apatow, la línea entre las risas que construyen y las que hieren tiene una base muy sencilla, “cuando está hecha con un fondo o una intención cruel es cuando se pierde todo”.


Respecto a si cree que Louis C.K. u otras personas del medio que han tenido casos de abusos podrán tener otra oportunidad de volver a trabajar Judd comentó, “creo que la mayoría de las personas, a menos de que seas Bill Cosby o Harvey Weinstein, deberían ser capaces de reconocer sus errores, aprender de ellos, corregirse, pagar un precio por ello y tratar de volver
a ejercer su profesión porque si piensas con cuidado en esto muchas personas cometen graves errores a lo largo de su vida pero ¿hay algún camino de aprendizaje? Es decir, las personas que roban un banco van a la cárcel y cuando pagan su condena se reinsertan a la sociedad pero como en muchos caso no hay una cárcel, ¿debemos dejarlos en una especie de
purgatorio por siempre? Viéndolo desde un punto de vista humano lo que quisiera es que todas las personas sean más sanas, traten mejor a la gente, que las víctimas tengan la justicia que merezcan, que sus voces sean escuchadas y que se puedan sentir mejor porque algo que cura
en este proceso es sentir que algo se ha hecho bien. Creo que somos un país en el que las personas quieren perdonar cuando se dan cuenta de que alguien se arrepiente y quiere cambiar. De hecho hemos perdonado a mucha gente que no se lo merecía”.

Lo que es imposible cuando las personas ganan una mala reputación según el prestigioso productor, es poder volver a tener un cien por ciento de libertad creativa, “aunque se logren sobreponer nunca serán las mismas personas ni artistas porque tienen que crear una nueva identidad. Incluso Woody Allen después de todo lo que pasó con Soon-Yi nunca pudo
plantearse hacer una película en la que el tipo va y mata a la esposa, por ejemplo, porque la gente asume que sus películas reflejan la rara psicología de su cabeza y podría haber sido culpado por ello, etc”.

En Estados Unidos empieza a existir la teoría de que todo el enojo que hay en las redes sociales y en la sociedad en general viene de la impotencia que la gente siente al no poder hacer nada contra Trump a lo que Apatow agregó, “sí, estamos en una cultura frustrada y la gente se emociona mucho al poder atacar en Twitter o en internet en general. Nadie es responsable por nada de lo que diga entonces hay mucha libertad para hacer comentarios crueles sin ninguna consecuencia. Cuando empecé en Twitter era un lugar para divertirse, las personas que yo seguía hacían bromas y era un ambiente muy amigable pero cada vez se ha vuelto más tóxico y esas personas se han ido apagando. Aquellos a los que yo seguía y me hacían reír como Steve Martin, que decía tonterías todo el tiempo de pronto un día desapareció y se fueron las risas y se quedó un ambiente de sobre opinión. Yo estoy intentando encontrar cómo navegar en las redes sociales con un equilibrio, pero no es fácil”, finalizó.

Lo que tienes que saber de ROMA de cara a las nominaciones al Oscar

Aquí te voy a contar lo que nadie te ha explicado respecto a la forma en la que ROMA podría ser nominada para la ceremonia 2019


Alfonso Cuarón ya tiene sus dos Globos de oro por mejor dirección y Mejor película extranjera con ROMA pero algo que mucho se preguntan son dos cosas ¿Por qué en los Globos de Oro no pudo estar nominado como Mejor película y se dice que en los Oscar sí podría estar? La respuesta es muy sencilla y es que mientras que en los Globos de Oro no se puede nominar a mejor película ninguna cinta de habla no inglesa en los Oscar NO aplica esa regla. En ese sentido, este año ROMA podría estar nominada a Mejor película. 

Ok, ya sé, la siguiente pregunta que se estarán haciendo es, ¿y alguna película de habla no inglesa ha ganado antes el gran premio? Pues ahí es donde está el debate pues recordarán la bellísima cinta The Artist, del parisino Michel Hazavanicious que aunque es una producción francesa es una película muda así que los puristas se inclinan a decir que no cuenta porque además, toda la acción de la cinta está situada en Hollywood y de hablar algo hubieran dicho algo más parecido a Hey! que a Salut!

En este sentido podemos afirmar que SI, en los 90 años de historia que tienen los Oscar, este año 91 podría ser histórico al premiarse por primera vez una cinta que no está en inglés. 

Sólo 10 filmes de habla no inglesa han sido nominados a Mejor película y los más famosos son: 

El tigre y el dragón (Ang Lee, 2000)

Cartas desde Iwo Jima (2007, Clint Eastwood)

Babel (2007)

Amor (2013)

Ahora sí, ya estás listo para afrontar cualquier debate de #Roma previo a las nominaciones a los Oscar.